Curriculum Dance Technique and Performance Grade 12

Dance Technique and Performance
Grade 12
Big Ideas: 
Growth as a dancer requires perseverance, resilience, and risk taking.
Dancers collaborate through critical reflection, creative co-operation, and the exchange of ideas.
Dancers can refine their technique and skills with experience in a variety of genres or through specialization.
Dance is an art form that combines the language of dance with the ability to create and perform.
Aesthetic experiences have the power to transform our perspective.
Big Ideas Elaborations: 
  • language of dance: requires dance literacy, which is the ability to read, write, notate, or otherwise communicate using dance language, vocabulary, and/or symbols
  • Aesthetic experiences: emotional, cognitive, or sensory responses to works of art
Curricular Competencies: 
Explore and create
  • Demonstrate kinesthetic awareness of dance elements and techniques
  • Explore specific or a variety of genres or styles from historical and contemporary cultures
  • Refine an articulate and expressive body through the application of anatomically and developmentally sound movement principles
  • Demonstrate the relationship between body conditioning and somatic approaches on technical and expressive skills
  • Express a range of meanings, intents, and emotions
  • Select, combine, and manipulate dance elements and technical skills to intentionally convey a particular mood, meaning, or purpose
  • Improvise to enhance technical concepts
  • Perform simple and complex movement phrases in large-group, small-group, and solo contexts
  • Consider audience and venue when composing, rehearsing, and performing
Reason and reflect
  • Describe, analyze, interpret, and evaluate dance techniques and artistic works using dance-specific language
  • Refine dance concepts, technical skills, and performance
  • Reflect on rehearsal and performance experiences
  • Identify and apply constructive feedback to refine ideas and inspire innovation
  • Demonstrate awareness of personal and social responsibility toward self, others, audience, and place
  • Reflect on the influences of social, cultural, historical, political, and personal context on dance
Communicate and document
  • Use technical vocabulary to describe, document, and respond critically to dance experiences and performances
  • Communicate meaning and emotion with intention
  • Use dance to communicate about and respond to local, regional, and national issues
  • Express cultural identity, perspectives, values, and emotions through dance
Connect and expand
  • Demonstrate personal and social responsibility associated with creating, performing, and responding to dance, including movement, music, thematic, and costume choices
  • Explore First Peoples perspectives and knowledge, other ways of knowing, and local cultural knowledge to gain understanding through movement and dance
  • Explore educational, personal, and professional opportunities in dance or related fields
  • Make connections through dance with local, national, and global issues and communities'
  • Consider personal safety, injury prevention, and physical health when engaged in technical study, rehearsal, and performance
Curricular Competencies Elaborations: 
  • kinesthetic awareness: the body’s ability to coordinate motion and its awareness of where it is in time and space
  • somatic approaches: body-mind approaches that foster internal awareness and body connectivity
  • place: any environment, locality, or context with which people interact to learn, create memory, reflect on history, connect with culture, and establish identity. The connection between people and place is foundational to First Peoples perspectives on the world.
  • ways of knowing: First Nations, Métis, Inuit, gender-related, subject/discipline-specific, cultural, embodied, intuitive
  • related fields: for example, artistic production, financial management, marketing, design
Concepts and Content: 
  • elements of dance
  • technical skills specific to a technique, genre, or style
  • anatomically and developmentally sound movement principles
  • kinesthetic and spatial awareness
  • the systems of the human body
  • body conditioning
  • somatic approaches
  • safety protocols
  • rehearsal and performance skills
  • dance notation
  • contributions of key dance innovators in specific genres, contexts, periods, and cultures
  • local, national, and global, and intercultural performers, movements, and genres
  • traditional and contemporary First Peoples worldviews and cross-cultural perspectives communicated through movement and dance
  • history and theory of a dance technique, genre, or style
  • ethics of cultural appropriation and plagiarism
Concepts and Content Elaborations: 
  • elements of dance: body, space, time, dynamics, relationships:
    • body: the primary instrument of expression in dance; what the body is doing (e.g., whole- or partial-body action; types of movement, such as locomotor and non-locomotor)
    • space: where the body is moving (e.g., place, level, direction, pathway, size/reach, shape)
    • time: how the body moves in relation to time (e.g., beat/underlying pulse, tempo, rhythmic patterns)
    • dynamics: how energy is expended and directed through the body in relation to time (quick/sustained), weight (strong/light), space (direct/indirect), and flow (free/bounded)
    • relationships: with whom or what the body is moving; movement happens in a variety of relationships (e.g., pairs, groups, objects, environments)
  • technique:
    • examples in modern dance: suspend, fall, breath, weight, oppositional pull, swing, contraction, spiral
    • examples in hip hop: grooving, isolations, rhythm, foot patterns, body rolls, freestyle
    • examples in ballet: positions of the feet and arms, turnout of the legs, barre and centre work, including plié, tendu, fondu, rond de jambe
  • genre, or style: for example, classical, contemporary, culturally specific
  • movement principles: including but not limited to mobility, stability, alignment, weight transfer, flexibility, strength, balance, coordination
  • body conditioning: exercises or practices that focus on cardiovascular endurance, strength, and flexibility
  • safety protocols: procedures to prevent harm or injury to self and others, including, for example, environment, biomechanics, clothing, and footwear
  • rehearsal and performance skills: the technical, expressive, and cognitive skills necessary for learning, refining, and performing movement:
    • Technical skill is the ability to reproduce movement accurately in relation to movement principles, elements of dance, and style.
    • Expressive skills include but are not limited to projection, focus, confidence, musicality, spatial awareness, facial expression, sensitivity to other dancers, dynamics, and embodiment of the elements of dance to communicate the style or choreographic intent.
    • Cognitive skills include but are not limited to preparedness, commitment, concentration, trust, co-operation, collaboration, application of feedback, willingness to explore, capacity to improve, movement acquisition, and memory.
  • dance notation: the codified, symbolic representation of dance movement and form
  • cultural appropriation: use of a cultural motif, theme, “voice,” image, knowledge, story, song, or drama, shared without permission or without appropriate context or in a way that may misrepresent the real experience of the people from whose culture it is drawn
Update and Regenerate Nodes
Big Ideas FR: 
Évoluer en tant que danseur demande de la prise de risques, de la persévérance et de l’endurance.
Les danseurs collaborent au moyen de la réflexion critique, de la coopération créative et de l’échange d’idées.
Le danseur peut améliorer sa technique et élargir ses compétences en acquérant de l’expérience dans divers genres ou en se spécialisant.
La danse est un art qui allie le langage de la danse et la capacité de créer et d’interpréter.
L’expérience esthétique a le pouvoir de transformer notre perspective.
Big Ideas Elaborations FR: 
  • langage de la danse : nécessite une certaine connaissance technique de la danse, soit la capacité de lire, d’écrire, de noter ou de communiquer de quelque autre manière en se servant des symboles ou du vocabulaire de la danse
  • expérience esthétique : réactions sensorielles, cognitives ou émotionnelles aux œuvres d’art
Explorer et créer
  • Faire preuve d’une conscience kinesthésique des techniques et des éléments de la danse
  • Explorer un genre ou un style en particulier, ou plusieurs, issus de cultures historiques et contemporaines
  • Entraîner son corps pour le rendre souple et expressif au moyen de principes de mouvement adaptés sur le plan de l’anatomie et du développement
  • Démontrer le rapport entre le conditionnement du corps et les conceptions des compétences techniques et capacités expressives du point de vue des pratiques somatiques
  • Exprimer un éventail de sens, d’intentions et d’émotions
  • Choisir, combiner et varier des éléments de la danse et des compétences techniques pour créer intentionnellement une ambiance ou exprimer un sens ou une intention en particulier
  • Improviser de manière à renforcer certains concepts techniques
  • Exécuter des enchaînements de mouvements simples et complexes en grand groupe, en petit groupe ou en solo
  • Prendre en considération le public et le lieu de spectacle pendant les étapes de composition, de répétition et de représentation
Raisonner et réfléchir
  • Décrire, analyser, interpréter et évaluer des techniques et des œuvres artistiques en se servant du vocabulaire propre à la danse
  • Affiner les concepts et les compétences techniques de la danse, ainsi que son interprétation
  • Réfléchir sur ses expériences de répétitions et de spectacles
  • Relever et mettre en pratique des commentaires constructifs en vue d’affiner des idées et d’inspirer l’innovation
  • Faire preuve d’une conscience de la responsabilité personnelle et sociale à l’égard de soi-même, des autres, du public et du lieu
  • Réfléchir sur l’influence des contextes social, culturel, historique, politique et personnel sur la danse
Communiquer et documenter
  • Se servir de vocabulaire technique pour décrire et documenter ses expériences en danse et les spectacles et y réagir de manière critique
  • Communiquer délibérément un sens et des émotions
  • Se servir de la danse pour aborder des enjeux locaux, régionaux et nationaux, et pour y réagir
  • Exprimer son identité culturelle, ses perspectives, ses valeurs et ses émotions au moyen de la danse
Faire des liens et développer
  • Faire preuve de la responsabilité individuelle et sociale associée à la création et à l’interprétation d’œuvres chorégraphiques ainsi qu’à la réaction aux œuvres, y compris en ce qui concerne le mouvement, la musique, la thématique et le choix des costumes
  • Explorer les perspectives et les connaissances des peuples autochtones, les autres méthodes d’acquisition du savoir et les connaissances sur la culture locale pour améliorer la compréhension à l’aide du mouvement et de la danse
  • Explorer les perspectives éducatives, personnelles et professionnelles de la danse et des domaines connexes
  • Se rapprocher des enjeux et des communautés de la localité, du pays et du monde entier au moyen de la danse
  • Prendre en considération la sécurité personnelle, la prévention des blessures et la santé physique durant les étapes d’étude technique, de répétition et de présentation devant public
Curricular Competencies Elaborations FR: 
  • conscience kinesthésique : capacité du corps de coordonner le mouvement et d’avoir conscience de sa position dans l’espace et dans le temps
  • pratiques somatiques : manières d’aborder le corps et l’esprit qui favorisent la conscience proprioceptive et l’intégration corps-esprit
  • lieu : tout environnement, localité ou contexte dans lequel les gens interagissent pour apprendre, se créer une mémoire collective, réfléchir sur l’histoire, vivre la culture et établir une identité; les liens existants entre les gens et les lieux constituent la base des perspectives autochtones sur le monde
  • méthodes d’acquisition du savoir : méthodes propres aux Premières Nations, aux Métis et aux Inuits, qui varient selon le sexe, sont spécifiques au sujet ou à la discipline et sont culturelles, intégrées et intuitives
  • domaines connexes : par exemple, la production artistique, la gestion financière, le marketing, la scénographie
  • Éléments de la danse
  • Compétences propres à une technique, ou à un genre ou style
  • Principes de mouvement adaptés sur le plan de l’anatomie et du développement
  • Conscience kinesthésique et spatiale
  • Systèmes du corps humain
  • Conditionnement du corps
  • Pratiques somatiques
  • Protocoles de sécurité
  • Compétences associées à la répétition et au spectacle
  • Notation de la danse
  • Apport d’importants artistes de la danse innovateurs associés à divers genres, contextes, époques et cultures
  • Artistes, mouvements et genres locaux, nationaux, mondiaux et interculturels
  • Visions du monde traditionnelles et contemporaines des peuples autochtones et perspectives interculturelles véhiculées par le mouvement et la danse
  • Histoire et théorie d’une technique, d’un genre ou d’un style de danse
  • Considérations éthiques concernant l’appropriation culturelle et le plagiat
content elaborations fr: 
  • Éléments de la danse : corps, espace, temps, dynamique, relations :
    • corps : principal moyen d’expression en danse; ce que fait le corps (p. ex. mouvement d’une partie du corps ou de tout le corps; types de mouvement, comme les actions locomotrices et non locomotrices)
    • espace : celui dans lequel se déplace le corps (p. ex. lieu, niveau, direction, trajectoire, dimensions et portée, forme)
    • temps : manière dont se déplace le corps en fonction du temps (p. ex. temps de la musique ou pulsation, tempo, motifs rythmiques)
    • dynamique : manière dont l’énergie est dépensée et canalisée dans le corps en fonction du temps (rapide ou soutenu), du poids (fort ou léger), de l’espace (direct ou indirect) et du flot (libre ou retenu)
    • relations : avec qui ou quoi se déplace le corps; le mouvement peut impliquer diverses relations (entre deux personnes, au sein d’un groupe, avec des objets, avec des environnements)
  • technique :
    • exemples en danse moderne : suspension, chute, respiration, poids, étirement en opposition, élan, contraction, spirale
    • exemples en hip-hop : « grooving », isolations, rythme, jeu de pieds, roulements du corps, style libre (« freestyle »)
    • exemples en ballet : positions des pieds et des bras, en-dehors, travail à la barre et au centre (pliés, tendus, fondus, ronds de jambe)
  • genre ou style : par exemple classique, contemporain ou issu d’une culture en particulier
  • Principes de mouvement : notamment la mobilité, la stabilité, l’alignement, le transfert du poids, la souplesse, la force, l’équilibre et la coordination
  • Conditionnement du corps : exercices ou pratiques qui mettent l’accent sur l’endurance cardiovasculaire, la force et la souplesse
  • Protocoles de sécurité : précautions servant à prévenir les blessures chez soi et chez les autres, notamment en ce qui concerne l’environnement, l’ergonomie, les vêtements et les chaussures
  • Compétences associées à la répétition et au spectacle : compétences techniques et cognitives et capacités expressives nécessaires à l’apprentissage, au perfectionnement et à l’exécution du mouvement :
    • les compétences techniques se manifestent dans la capacité de reproduire un mouvement de façon exacte sur le plan des principes de mouvement, des éléments de la danse et du style
    • les capacités expressives comprennent notamment la projection, la concentration, la confiance, la musicalité, la conscience spatiale, l’expression du visage, la sensibilité aux autres danseurs, la dynamique et l’incarnation des éléments de la danse visant à véhiculer le style ou l’intention chorégraphique
    • les compétences cognitives comprennent entre autres l’état de préparation, l’engagement, la concentration, la confiance, la coopération, la collaboration, l’application des commentaires constructifs, la volonté de découvrir, la capacité de s’améliorer, l’acquisition de mouvements et la mémoire
  • Notation de la danse : représentation symbolique codifiée de formes et de mouvements de la danse
  • appropriation culturelle : utilisation de motifs, de thèmes, de voix, d’images, de connaissances, de récits, de chansons, d’œuvres dramatiques ou d’autres manifestations de nature culturelle sans autorisation, dans un contexte inapproprié ou dénaturant l’expérience vécue par les personnes appartenant à la culture d’origine
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Curriculum Status: 
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