Curriculum Dance Company Grade 12

Dance Company
Grade 12
Big Ideas: 
Experiences in a dance company are transferable to personal, professional, and educational contexts.
Choreographic works communicate meaning through movement, sound, costumes, and set design.
Artistic choices enhance the choreographer’s intent.
Through dance we can communicate ideas, challenge opinions, and inspire change.
Active participation in the arts is essential to building culture, expressing personal identity, and gaining insight into the human experience.
Big Ideas Elaborations: 
  • dance company: a performance-based ensemble
Curricular Competencies: 
Explore and create
  • Create, rehearse, refine, and perform choreographic works for a variety of purposes and contexts
  • Rehearse and perform choreographic works using a variety of dance elements, skills, and techniques from historical and contemporary cultures
  • Embody dance forms specific to the choreographic work
  • Refine an articulate body as an instrument of expression
  • Express a range of meanings, intentions, and emotions through dance
  • Recall, rehearse, and perform movement phrases both collaboratively and as an individual
  • Enhance movement phrases with unique personal style
  • Take creative risks to develop as an artist
  • Combine and experiment with performance skills
  • Consider audience, venue, and place when composing, rehearsing, and performing
  • Demonstrate warm-up and cool-down procedures for rehearsals and performances
  • Engage in rehearsal and performance processes led by a variety of choreographers
Reason and reflect
  • Use the language of dance to analyze and reflect on dance works
  • Analyze the interplay of movement, sound, image, and form to convey meaning
  • Reflect on rehearsal and performance experiences to improve performance
  • Apply constructive feedback in rehearsals and performances
Communicate and document
  • Expand and refine dance vocabulary to describe, document, and respond critically to rehearsals, compositions, and performances
  • Communicate and interpret the choreographer’s intent through the language of dance
Connect and expand
  • Demonstrate personal and social responsibility associated with creating, performing, and responding to dance, including movement, music, thematic, and costume choices
  • Explore educational, personal, and professional opportunities in dance or related fields
  • Explore First Peoples perspectives and knowledge, other ways of knowing, and local cultural knowledge to gain understanding through movement and dance
  • Make connections through dance with local, national, and global issues and communities
  • Consider personal safety, injury prevention, and physical health when planning, rehearsing, and performing choreography
Curricular Competencies Elaborations: 
  • creative risks: make an informed choice to do something where unexpected outcomes are acceptable and serve as learning opportunities
  • place: any environment, locality, or context with which people interact to learn, create memory, reflect on history, connect with culture, and establish identity. The connection between people and place is foundational to First Peoples’ perspectives on the world.
  • choreographers: students, teachers, guest artists
  • related fields: for example, artistic production, financial management, marketing, design
  • ways of knowing: First Nations, Métis, Inuit, gender-related, subject/discipline-specific, cultural, embodied, intuitive
Concepts and Content: 
  • roles and responsibilities in a dance company
  • rehearsal and performance skills
  • technical and expressive skills
  • stage etiquette
  • elements of dance, techniques, movement principles
  • compositional skills, forms, and structures
  • choreographic devices
  • principles of design
  • anatomically and developmentally sound movement principles
  • skills specific to a technique, genre, or style
  • kinesthetic and spatial awareness
  • safety protocols
  • dance notation and vocabulary
  • contributions of key dance innovators in specific genres, periods, and movements
  • traditional and contemporary First Peoples worldviews and cross-cultural perspectives communicated through movement and dance
  • ethics of cultural appropriation and plagiarism
Concepts and Content Elaborations: 
  • rehearsal and performance skills:
    • the technical, expressive, and cognitive skills necessary for learning, refining, and performing movement
    • Cognitive skills include preparedness, commitment, concentration, trust, co-operation, collaboration, application of feedback, willingness to explore, capacity to improve, movement acquisition, and memory.
  • technical: the ability to reproduce movement accurately in relation to movement principles, elements of dance, and style
  • expressive skills: projection, focus, confidence, musicality, spatial awareness, facial expression, sensitivity to other dancers, dynamics, and embodiment of the elements of dance to communicate the style or choreographic intent
  • stage etiquette: the accepted behaviours and attitude required throughout the production process, including auditions, rehearsals, and performances
  • elements of dance: body, space, time, dynamics, relationships:
    • body: the primary instrument of expression in dance; what the body is doing (e.g., whole- or partial-body action; types of movement, such as locomotor and non-locomotor)
    • space: where the body is moving (e.g., place, level, direction, pathway, size/reach, shape)
    • time: how the body moves in relation to time (e.g., beat/underlying pulse, tempo, rhythmic patterns)
    • dynamics: how energy is expended and directed through the body in relation to time (quick/sustained), weight (strong/light), space (direct/indirect), and flow (free/bounded)
    • relationships: with whom or what the body is moving; movement happens in a variety of relationships (e.g., pairs, groups, objects, environments)
  • forms, and structures: the shape or structure of a dance; the orderly arrangement of thematic material (e.g., AB, ABA, rondo, canon, theme and variation, call and response, narrative)
  • choreographic devices: methods applied to change or develop movement (e.g., level, dynamics, retrograde, repetition, body part)
  • principles of design: unity, variety, repetition, contrast, sequence, climax, proportion, harmony, balance, transition
  • movement principles: includes alignment, weight transfer, flexibility, strength, balance, coordination
  • technique:
    • examples in modern dance: suspend, fall, breath, weight, oppositional pull, swing, contraction, spiral
    • examples in hip hop: grooving, isolations, rhythm, foot patterns, body rolls, freestyle
    • examples in ballet: positions of the feet and arms, turnout of the legs, barre and centre work, including plié, tendu, fondu, rond de jambe
  • genre, or style: for example, classical, contemporary, culturally specific
  • safety protocols: procedures to prevent injury or harm to self and others involving, for example, environment, biomechanics, clothing, and footwear
  • dance notation: the codified, symbolic representation of dance movement and form
  • cultural appropriation: use of a cultural motif, theme, “voice,” image, knowledge, story, song, or drama, shared without permission or without appropriate context or in a way that may misrepresent the real experience of the people from whose culture it is drawn
Update and Regenerate Nodes
Big Ideas FR: 
L’expérience acquise au sein d’une compagnie de danse est transférable dans les contextes personnel, professionnel et éducatif.
Les œuvres chorégraphiques véhiculent le sens au moyen des mouvements, des sons, des costumes, de l’éclairage et de la scénographie
Les choix artistiques communiquent l’intention du chorégraphe.
La danse peut servir à communiquer des idées, à mettre en question des opinions et à inspirer le changement.
La participation à des activités artistiques est essentielle à la création de la culture, à l’expression de l’identité personnelle et à l’acquisition d’un regard éclairé sur l’expérience humaine.
Big Ideas Elaborations FR: 
  • compagnie de danse : troupe de danseurs qui présente des spectacles
Explorer et créer
  • Créer, répéter, peaufiner et présenter devant public des œuvres chorégraphiques à diverses occasions et dans divers contextes
  • Répéter et présenter devant public des œuvres chorégraphiques faisant appel à divers éléments, compétences et techniques de danse de cultures historiques et contemporaines
  • Interpréter des styles de danse spécifiques à l’œuvre chorégraphique
  • Entraîner son corps pour le rendre souple et s’en servir comme instrument d’expression
  • Exprimer un éventail de sens, d’intentions et d’émotions au moyen de la danse
  • Retenir, répéter et exécuter des enchaînements de mouvements, individuellement et en collaboration
  • Rehausser des enchaînements de mouvements par un style personnel unique
  • Prendre des risques créatifs pour évoluer en tant qu’artiste
  • Expérimenter en combinant des compétences associées à l’interprétation
  • Prendre en considération le public, la salle de spectacle et le lieu pendant les étapes de composition, de répétition et de représentation
  • Démontrer des exercices d’échauffement et de récupération avant et après les répétitions et les représentations
  • S’engager dans les processus de répétition et de représentation dirigés par divers chorégraphes
Raisonner et réfléchir
  • Se servir du vocabulaire propre à la danse pour analyser des œuvres chorégraphiques et y réfléchir
  • Analyser l’interaction entre les mouvements, les sons, les images et les formes en vue de véhiculer un sens
  • Réfléchir sur ses expériences de répétitions et de spectacles afin d’améliorer son interprétation
  • Mettre en pratique des commentaires constructifs lors des répétitions et des représentations
Communiquer et documenter
  • Affiner son vocabulaire technique et l’enrichir pour décrire et documenter les répétitions, les chorégraphies et les spectacles et y réagir de manière critique
  • Communiquer et interpréter l’intention du chorégraphe par la danse
Faire des liens et développer
  • Faire preuve de la responsabilité individuelle et sociale associée à la création et à l’interprétation d’œuvres chorégraphiques ainsi qu’à la réaction aux œuvres, y compris en ce qui concerne le mouvement, la musique, la thématique et le choix des costumes
  • Explorer les perspectives éducatives, personnelles et professionnelles de la danse et des domaines connexes
  • Explorer les perspectives et les connaissances des peuples autochtones, les autres méthodes d’acquisition du savoir et les connaissances sur la culture locale pour améliorer la compréhension à l’aide du mouvement et de la danse
  • Se rapprocher des enjeux et des communautés de la localité, du pays et du monde entier au moyen de la danse
  • Prendre en considération la sécurité personnelle, la prévention des blessures et la santé physique durant les étapes de planification, de répétition et de représentation
Curricular Competencies Elaborations FR: 
  • risques créatifs : consistent à faire un choix éclairé pour accomplir quelque chose dans un contexte où des résultats inattendus sont acceptables et offrent des occasions d’apprentissage
  • lieu : tout environnement, localité ou contexte dans lequel les gens interagissent pour apprendre, se créer une mémoire collective, réfléchir sur l’histoire, vivre la culture et établir une identité; les liens existant entre les gens et les lieux constituent la base des perspectives autochtones sur le monde
  • chorégraphes : par exemple les élèves, les enseignants et les artistes invités
  • domaines connexes : par exemple, la production artistique, la gestion financière, le marketing, la scénographie
  • méthodes d’acquisition du savoir : méthodes propres aux Premières Nations, aux Métis et aux Inuits, qui varient selon le sexe, sont spécifiques au sujet ou à la discipline et sont culturelles, intégrées et intuitives
  • Rôles et responsabilités dans une compagnie de danse
  • Compétences associées à la répétition et au spectacle
  • Compétences techniques et capacités expressives
  • Bons usages sur scène
  • Éléments de la danse, techniques et principes de mouvement
  • Techniques, formes et structures chorégraphiques
  • Procédés chorégraphiques
  • Principes de l’esthétique
  • Principes de mouvement adaptés sur le plan de l’anatomie et du développement
  • Compétences propres à une technique, ou à un genre ou style
  • Conscience kinesthésique et spatiale
  • Protocoles de sécurité
  • Vocabulaire et notation de la danse
  • Apport d’importants artistes de la danse innovateurs associés à divers genres, époques et types de mouvements
  • Visions du monde traditionnelles et contemporaines des peuples autochtones et perspectives interculturelles véhiculées par le mouvement et la danse
  • Considérations éthiques concernant l’appropriation culturelle et le plagiat
content elaborations fr: 
  • Compétences associées à la répétition et au spectacle :
    • compétences techniques et cognitives et capacités expressives nécessaires à l’apprentissage, au perfectionnement et à l’exécution de mouvements
    • les compétences cognitives comprennent l’état de préparation, l’engagement, la concentration, la confiance, la coopération, la collaboration, l’application des commentaires constructifs, la volonté de découvrir, la capacité de s’améliorer, l’acquisition de mouvements et la mémoire
  • Compétences techniques : capacité de reproduire un mouvement de façon exacte sur le plan des principes du mouvement, des éléments de la danse et du style
  • capacités expressives : la projection, la concentration, la confiance, la musicalité, la conscience spatiale, l’expression du visage, la sensibilité aux autres danseurs, la dynamique et l’incarnation des éléments de la danse visant à véhiculer le style ou l’intention chorégraphique
  • Bons usages sur scène : comportements acceptés et attitude exigée pendant les étapes de la production, y compris les auditions, les répétitions et les représentations
  • Éléments de la danse : corps, espace, temps, dynamique, relations :
    • corps : principal moyen d’expression en danse; ce que fait le corps (p. ex. mouvement d’une partie du corps ou de tout le corps; types de mouvement, comme les actions locomotrices et non locomotrices)
    • espace : celui dans lequel se déplace le corps (p. ex. lieu, niveau, direction, trajectoire, dimensions et portée, forme)
    • temps : manière dont se déplace le corps en fonction du temps (p. ex. temps de la musique ou pulsation, tempo, motifs rythmiques)
    • dynamique : manière dont l’énergie est dépensée et canalisée dans le corps en fonction du temps (rapide ou soutenu), du poids (fort ou léger), de l’espace (direct ou indirect) et du flot (libre ou retenu)
    • relations : avec qui ou quoi se déplace le corps; le mouvement peut impliquer diverses relations (entre deux personnes, au sein d’un groupe, avec des objets, avec des environnements)
  • formes et structures chorégraphiques : forme ou structure d’une chorégraphie; arrangement ordonné du contenu thématique (p. ex. forme AB, ABA, rondo, canon, thème et variations, appel et réponse, forme narrative)
  • Procédés chorégraphiques : méthodes employées pour transformer ou développer le mouvement (p. ex. exploitation des niveaux, de la dynamique, du mouvement rétrograde, de la répétition, des mouvements de parties du corps)
  • Principes de l’esthétique : unité, variété, répétition, contraste, séquence, point culminant, proportion, harmonie, équilibre, transition
  • Principes de mouvement : notamment l’alignement, le transfert du poids, la souplesse, la force, l’équilibre et la coordination
  • technique :
    • exemples en danse moderne : suspension, chute, respiration, poids, étirement en opposition, élan, contraction, spirale
    • exemples en hip-hop : « grooving », isolations, rythme, jeu de pieds, roulements du corps, style libre (« freestyle »)
    • exemples en ballet : positions des pieds et des bras, en-dehors, travail à la barre et au centre (pliés, tendus, fondus, ronds de jambe)
  • genre ou style : par exemple, classique, contemporain ou issu d’une culture en particulier
  • Protocoles de sécurité : précautions servant à prévenir les blessures chez soi et chez les autres, notamment en ce qui concerne l’environnement, l’ergonomie, les vêtements et les chaussures
  • notation de la danse : représentation symbolique codifiée de formes et de mouvements de la danse
  • appropriation culturelle : utilisation de motifs, de thèmes, de voix, d’images, de connaissances, de récits, de chansons, d’œuvres dramatiques ou d’autres manifestations de nature culturelle sans autorisation, dans un contexte inapproprié ou dénaturant l’expérience vécue par les personnes appartenant à la culture d’origine
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Curriculum Status: 
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