Curriculum Dance Choreography Grade 10

Dance Choreography
Grade 10
Big Ideas: 
Elements of dance and compositional skills are the foundation of choreography.
Dance offers unique ways of exploring our identity and sense of belonging.
Choreographers use the dancer’s body as an instrument to translate movement ideas from abstract to concrete.
Choreographers communicate through creative expression in dance.
Choreographers collaborate through critical reflection, creative co-operation, and the exchange of ideas.
Big Ideas Elaborations: 
  • compositional skills: skills that guide a choreographer in the creation of a dance (e.g., selecting movement and motifs, phrasing, stating a theme, applying elements of dance and principles of design)
  • translate movement ideas: requires dance literacy, which is the ability to read, write, notate, or otherwise communicate using dance language, vocabulary, and/or symbols
Curricular Competencies: 
Explore and create
  • Explore, design, and create dance compositions
  • Demonstrate kinesthetic awareness of dance elements
  • Experiment with dance elements individually and collaboratively
  • Express a range of meanings, intents, and emotions using a variety of stimuli
  • Select and combine dance elements to create movement phrases
  • Explore how production elements support the expression of intent and meaning in dance compositions
  • Create and perform movement motifs, phrases, and dance compositions in large-group, small-group, and solo contexts
  • Use choreographic forms and structures to express intent and meaning
  • Consider audience and venue while composing, rehearsing, and performing
Reason and reflect
  • Use the language of dance to describe dance works and support personal interpretation of artistic intent
  • Develop composition skills to create, repeat, and perform a choreographed dance that communicates an idea
  • Reflect on rehearsal and performance experiences
  • Give, receive, and apply constructive feedback
  • Reflect on the influences of social, cultural, historical, political, and personal context on dance
  • Demonstrate respect for self, others, audience, and place
Communicate and document
  • Use technical vocabulary to describe, document, and respond to rehearsal processes, compositions, and performances
  • Express personal movement preferences, cultural identity, perspective, values, and emotions in choreography 
  • Use dance to communicate and respond to local issues
  • Anticipate audience impact and make design choices
Connect and expand
  • Demonstrate application of dance elements, principles, techniques, and language
  • Create personally meaningful dance works
  • Explore contributions of key dance innovators from a variety of genres, contexts, periods, and cultures
  • Explore First Peoples perspectives and knowledge, other ways of knowing, and local cultural knowledge to gain understanding through movement and dance
  • Make personal and community connections through dance
  • Consider personal safety, injury prevention, and physical health when planning, rehearsing, and performing choreography
Curricular Competencies Elaborations: 
  • kinesthetic awareness: the body's ability to coordinate motion and its awareness of where it is in time and space
  • stimuli: the starting point for creating movement; stimuli for dance compositions can be auditory, visual, ideational/thematic, tactile, or kinesthetic
  • production elements: for example, music, costume, props, lights, set design
  • motifs: gestures, movements, or phrases that can be repeated and developed
  • place: any environment, locality, or context with which people interact to learn, create memory, reflect on history, connect with culture, and establish identity. The connection between people and place is foundational to First Peoples perspectives on the world.
  • design choices: movement, music, theme, costume
  • ways of knowing: First Nations, Métis, and Inuit, gender-related, subject/discipline-specific, cultural, embodied, intuitive
Concepts and Content: 
  • elements of dance
  • skills specific to a technique, genre, or style
  • kinesthetic and spatial awareness
  • choreographic forms and structures
  • choreographic devices
  • principles of design
  • dance notation
  • the role of dancers, choreographers, and audiences in a variety of contexts
  • local and intercultural performers, movements, and genres
  • traditional and contemporary First Peoples worldviews and cross-cultural perspectives communicated through movement and dance
  • ethics of cultural appropriation and plagiarism
  • safety protocols
Concepts and Content Elaborations: 
  • elements of dance: body, space, time, dynamics, relationships
    • body: the primary instrument of expression in dance; what the body is doing (e.g., whole- or partial-body action; types of movement, such as locomotor and non-locomotor)
    • space: where the body is moving (e.g., place, level, direction, pathway, size/reach, shape)
    • time: how the body moves in relation to time (e.g., beat/underlying pulse, tempo, rhythmic patterns)
    • dynamics: how energy is expended and directed through the body in relation to time (quick/sustained), weight (strong/light), space (direct/indirect),
      and flow (free/bounded)
    • relationships: with whom or what the body is moving; movement happens in a variety of relationships (e.g., pairs, groups, objects, environments)
  • technique: examples in modern dance: suspend, fall, breath, weight, oppositional pull, swing, contraction, spiral; examples in hip hop: grooving, isolations, rhythm, foot patterns, body rolls, freestyle; examples in ballet: positions of the feet and arms, turnout of the legs, barre and centre work, including plié, tendu, fondu, rond de jambe
  • genre, or style: for example, classical, contemporary, culturally specific
  • choreographic forms and structures: the shape or structure of a dance; the orderly arrangement of thematic material (e.g., AB, ABA, rondo, canon, theme and variation, call and response, narrative)
  • choreographic devices: methods applied to change or develop movement (e.g., level, dynamics, retrograde, repetition, body part)
  • principles of design: unity, variety, repetition, contrast, sequence, climax, proportion, harmony, balance, transition
  • dance notation: the codified, symbolic representation of dance movement and form
  • cultural appropriation: use of a cultural motif, theme, “voice,” image, knowledge, story, song, or drama, shared without permission or without appropriate context or in a way that may misrepresent the real experience of the people from whose culture it is drawn
  • safety protocols: procedures to prevent harm or injury to self and others, including, for example, environment, biomechanics, clothing, and footwear
Update and Regenerate Nodes
Big Ideas FR: 
La chorégraphie a pour fondements les éléments de la danse et l’art de la composition.
La danse offre des manières uniques d’explorer l’identité et le sentiment d’appartenance.
Les chorégraphes se servent du corps des danseurs comme d’un instrument pour concrétiser des idées de mouvement, c’est-à-dire les convertir de l’abstrait au concret.
Les chorégraphes communiquent au moyen de l’expression créatrice en danse.
Les chorégraphes collaborent au moyen de la réflexion critique, de la coopération créative et de l’échange des idées.
Big Ideas Elaborations FR: 
  • art de la composition : savoir-faire qui oriente un chorégraphe dans la création d’une danse (p. ex. choisir les mouvements et les motifs, enchaîner des éléments, présenter un thème, intégrer des éléments de la danse et des principes de l’esthétique)
  • concrétiser des idées de mouvement : demande une certaine connaissance technique de la danse, soit la capacité de lire, d’écrire, de noter ou de communiquer en se servant du vocabulaire et des symboles propres à la danse
Explorer et créer
  • Explorer, concevoir et créer des compositions chorégraphiques
  • Démontrer une conscience kinesthésique des éléments de la danse
  • Expérimenter, seul ou en groupe, en se servant des éléments de la danse
  • Exprimer un éventail de sens, d’intentions et d’émotions au moyen de divers stimuli
  • Choisir et combiner des éléments de la danse pour créer des enchaînements de mouvements
  • Examiner la façon dont les éléments de production appuient l’expression de l’intention et du sens dans les chorégraphies
  • Créer et exécuter des motifs de mouvements, des enchaînements et des compositions chorégraphiques en grand groupe, en petit groupe ou en solo
  • Se servir de formes et de structures chorégraphiques pour exprimer l’intention et le sens
  • Prendre en considération le public et le lieu de spectacle pendant les étapes de composition, de répétition et de représentation
Raisonner et réfléchir
  • Se servir du vocabulaire propre à la danse pour décrire des œuvres de danse et appuyer son analyse personnelle de l’intention artistique
  • Développer un savoir-faire en art de la composition en vue de créer, de répéter et de présenter une chorégraphie qui exprime une idée
  • Réfléchir sur ses expériences de répétitions et de spectacles
  • Formuler, accepter et mettre en pratique des commentaires constructifs
  • Réfléchir sur l’influence des contextes social, culturel, historique, politique et personnel sur la danse
  • Faire preuve de respect pour soi-même, les autres, le public et le lieu
Communiquer et documenter
  • Se servir de vocabulaire technique pour décrire et documenter les processus de répétition, les chorégraphies et les spectacles et y réagir
  • Exprimer ses préférences personnelles en matière de mouvement, son identité culturelle, sa perspective, ses valeurs et ses émotions dans la chorégraphie
  • Se servir de la danse pour aborder des enjeux locaux et pour y réagir
  • Prévoir l’effet sur le public et prendre des décisions en matière d’esthétique
Faire des liens et développer
  • Utiliser des éléments, des principes et des techniques de la danse ainsi que du vocabulaire propre à la danse
  • Créer des chorégraphies qui revêtent une valeur particulière pour soi
  • Examiner l’apport d’importants artistes de la danse innovateurs associés à divers genres, contextes, époques et cultures
  • Explorer les perspectives et les connaissances des peuples autochtones, les autres méthodes d’acquisition du savoir et les connaissances sur la culture locale pour améliorer la compréhension à l’aide des mouvements et de la danse
  • Tisser des liens personnels et des liens avec la communauté au moyen de la danse
  • Prendre en considération la sécurité personnelle, la prévention des blessures et la santé physique durant les étapes de planification, de répétition et de présentation devant public de la chorégraphie
Curricular Competencies Elaborations FR: 
  • conscience kinesthésique : capacité du corps de coordonner le mouvement et d’avoir conscience de sa position dans l’espace et dans le temps
  • stimuli : facteur déclencheur de la création du mouvement; les stimuli, dans le contexte de la composition chorégraphique, peuvent être auditifs, visuels, conceptuels ou thématiques, tactiles ou kinesthésiques
  • éléments de production : par exemple, la musique, les costumes, les accessoires, l’éclairage et la scénographie
  • motifs : gestes, mouvements ou enchaînements qui peuvent être répétés ou développés
  • lieu : tout environnement, localité ou contexte dans lequel les gens interagissent pour apprendre, se créer une mémoire collective, réfléchir sur l’histoire, vivre la culture et établir une identité; les liens existants entre les gens et les lieux constituent la base des perspectives autochtones sur le monde
  • décisions en matière d’esthétique : peuvent porter sur les mouvements, la musique, le thème ou les costumes
  • méthodes d’acquisition du savoir : méthodes propres aux Premières Nations, aux Métis et aux Inuits qui varient selon le sexe, sont spécifiques au sujet ou à la discipline et sont culturelles, intégrées et intuitives
  • Éléments de la danse
  • Compétences propres à une technique, un genre ou style
  • Conscience kinesthésique ou spatiale
  • Formes et structures chorégraphiques
  • Procédés chorégraphiques
  • Principes de l’esthétique
  • Notation de la danse
  • Rôle des danseurs, des chorégraphes et du public dans divers contextes
  • Interprètes, mouvements et genres locaux et interculturels
  • Visions du monde traditionnelles et contemporaines des peuples autochtones et perspectives interculturelles véhiculées par le mouvement et la danse
  • Considérations éthiques concernant l’appropriation culturelle et le plagiat
  • Protocoles de sécurité
content elaborations fr: 
  • Éléments de la danse : corps, espace, dynamique, temps, relations
    • corps : principal moyen d’expression en danse; ce que fait le corps (p. ex. mouvement d’une partie du corps ou de tout le corps; types de mouvement, comme les actions locomotrices et non locomotrices)
    • espace : celui dans lequel se déplace le corps (p. ex. lieu, niveau, direction, trajectoire, dimensions et portée, forme)
    • temps : manière dont se déplace le corps en fonction du temps (p. ex. temps de la musique ou pulsation, tempo, motifs rythmiques)
    • dynamique : manière dont l’énergie est dépensée et canalisée dans le corps en fonction du temps (rapide ou soutenu), du poids (fort ou léger), de l’espace (direct ou indirect)
      et du flot (libre ou retenu)
    • relations : avec qui ou quoi se déplace le corps; le mouvement peut impliquer diverses relations (entre deux personnes, au sein d’un groupe, avec des objets, avec des environnements)
  • technique : exemples en danse moderne : suspension, chute, respiration, poids, étirement en opposition, élan, contraction, spirale; exemples en hip-hop : « grooving », isolations, rythme, jeu de pieds, roulements du corps, style libre (« freestyle »); exemples en ballet : positions des pieds et des bras, en-dehors, travail à la barre et au centre (pliés, tendus, fondus, ronds de jambe)
  • genre ou style : par exemple, classique, contemporain ou issu d’une culture en particulier
  • Formes et structures chorégraphiques : forme ou structure d’une chorégraphie; arrangement ordonné du contenu thématique (p. ex. forme AB, ABA, rondo, canon, thème et variations, appel et réponse, forme narrative)
  • Procédés chorégraphiques : méthodes employées pour transformer ou développer le mouvement (p. ex. exploitation des niveaux, de la dynamique, du mouvement rétrograde, de la répétition, des mouvements de parties du corps)
  • Principes de l’esthétique : unité, variété, répétition, contraste, séquence, point culminant, proportion, harmonie, équilibre, transition
  • Notation de la danse : représentation symbolique codifiée de formes et de mouvements de la danse
  • appropriation culturelle : utilisation de motifs, de thèmes, de voix, d’images, de connaissances, de récits, de chansons ou d’œuvres dramatiques ou d’autres manifestations de nature culturelle sans autorisation, dans un contexte inapproprié ou dénaturant l’expérience vécue par les personnes appartenant à la culture d’origine
  • Protocoles de sécurité : précautions servant à prévenir les blessures chez soi et chez les autres, notamment en ce qui concerne l’environnement, l’ergonomie, les vêtements et les chaussures
PDF Only: 
Curriculum Status: 
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