Curriculum Chorégraphie 11e

Dance Choreography
Grade 11
Big Ideas: 
Choreography is created using elements of dance and compositional skills.
Choreographers make purposeful artistic choices to create and communicate meaning.
Choreographers use a dancer’s body through which to translate movement ideas.
Dance engages us in artistic works from multiple perspectives.
Choreographers collaborate through critical reflection, creative co-operation, and the exchange of ideas.
Big Ideas Elaborations: 
  • translate movement ideas: requires dance literacy, which is the ability to read, write, notate, or otherwise communicate using dance language, vocabulary, and/or symbols
Curricular Competencies: 
Explore and create
  • Explore a variety of dance compositions
  • Use composition skills to create, rehearse, refine, and perform a choreographed dance
  • Demonstrate kinesthetic awareness of dance elements and techniques in a variety of genres and styles
  • Expand composition skills to convey a particular mood, meaning, or intent
  • Explore the interplay of movement, sound, image, and form in response to a variety of stimuli
  • Generate ideas through improvisation and movement exploration
  • Create original movement phrases by experimenting with dance elements, principles, techniques, vocabulary, and symbols
  • Create and perform movement motifs, phrases, and dance compositions in large-group, small-group, and solo contexts
  • Select choreographic forms, structures, and production elements to communicate intent in dance compositions
  • Consider audience and venue when composing, rehearsing, and performing
Reason and reflect
  • Describe and analyze dance works using discipline-specific language
  • Reflect on rehearsal and performance experiences
  • Give, receive, and apply constructive feedback
Communicate and document
  • Describe and document rehearsal processes, dance experiences, compositions, and performances using technical vocabulary
  • Communicate and interpret ideas and emotions through dance
  • Use dance to communicate about and respond to local, regional, and national issues
  • Express personal experiences, cultural identity, and perspectives through dance
  • Anticipate the impact of design choices on the audience and others
Connect and expand
  • Demonstrate and refine the application of dance elements, principles, techniques, and language
  • Explore First Peoples perspectives and knowledge, other ways of knowing, and local cultural knowledge to gain understanding through movement and dance
  • Create innovative dance works to demonstrate an understanding of a variety of contexts
  • Consider personal safety, injury prevention, and physical health when planning, rehearsing, and performing choreography
Curricular Competencies Elaborations: 
  • kinesthetic awareness: the body’s ability to coordinate motion and its awareness of where it is in time and space
  • composition skills: skills that guide a choreographer in the creation of a dance (e.g., selecting movement and motifs, phrasing, stating a theme, applying elements of dance and principles of design)
  • stimuli: the starting point for creating movement; stimuli for dance compositions can be auditory, visual, ideational/thematic, tactile, or kinesthetic
  • production elements: for example, music, costume, props, lights, set design
  • design choices: for example, movement, music, theme, costume
  • ways of knowing: First Nations, Métis, Inuit, gender-related, subject/discipline-specific, cultural, embodied, intuitive
  • variety of contexts: personal, social, cultural, environmental, or historical contexts
Concepts and Content: 
  • elements of dance
  • skills specific to a technique, genre, or style
  • kinesthetic and spatial awareness
  • choreographic forms and structures
  • choreographic devices
  • principles of design
  • dance notation
  • the role of dancers, choreographers, and audiences
  • local, national, and intercultural performers, movements, and genres
  • the influence of time and place on the emergence of historical and contemporary dance forms
  • innovative dancers and choreographers from a variety of genres and cultures
  • traditional and contemporary First Peoples worldviews and cross-cultural perspectives communicated through movement and dance
  • history of a variety of dance genres
  • ethics of cultural appropriation and plagiarism
  • safety protocols
Concepts and Content Elaborations: 
  • elements of dance: body, space, time, dynamics, relationships:
    • body: the primary instrument of expression in dance; what the body is doing (e.g., whole- or partial-body action; types of movement, such as locomotor and non-locomotor)
    • space: where the body is moving (e.g., place, level, direction, pathway, size/reach, shape)
    • time: how the body moves in relation to time (e.g., beat/underlying pulse, tempo, rhythmic patterns)
    • dynamics: how energy is expended and directed through the body in relation to time (quick/sustained), weight (strong/light), space (direct/indirect), and flow (free/bounded)
    • relationships: with whom or what the body is moving; movement happens in a variety of relationships (e.g., pairs, groups, objects, environments)
  • technique:
    • examples in modern dance: suspend, fall, breath, weight, oppositional pull, swing, contraction, spiral
    • examples in hip hop: grooving, isolations, rhythm, foot patterns, body rolls, freestyle
    • examples in ballet: positions of the feet and arms, turnout of the legs, barre and centre work, including plié, tendu, fondu, rond de jambe
  • genre, or style: for example, classical, contemporary, culturally specific
  • choreographic forms and structures: the shape or structure of a dance; the orderly arrangement of thematic material (e.g., AB, ABA, rondo, canon, theme and variation, call and response, narrative)
  • choreographic devices: methods applied to change or develop movement (e.g., level, dynamics, retrograde, repetition, body part)
  • principles of design: unity, variety, repetition, contrast, sequence, climax, proportion, harmony, balance, transition
  • dance notation: the codified, symbolic representation of dance movement and form
  • place: any environment, locality, or context with which people interact to learn, create memory, reflect on history, connect with culture, and establish identity. The connection between people and place is foundational to First Peoples perspectives on the world.
  • cultural appropriation: use of a cultural motif, theme, “voice,” image, knowledge, story, song, or drama, shared without permission or without appropriate context or in a way that may misrepresent the real experience of the people from whose culture it is drawn
  • safety protocols: procedures to prevent harm or injury to self and others, including, for example, environment, biomechanics, clothing, and footwear
Update and Regenerate Nodes
Big Ideas FR: 
La création d’une chorégraphie met en jeu les éléments de la danse et l’art de la composition.
Le chorégraphe fait des choix artistiques réfléchis afin de créer et de transmettre le sens.
Le chorégraphe se sert du corps des danseurs pour concrétiser des idées de mouvement.
La danse permet d’appréhender des œuvres artistiques à partir de perspectives multiples.
Les chorégraphes collaborent au moyen de la réflexion critique, de la coopération créative et de l’échange des idées.
Big Ideas Elaborations FR: 
  • concrétiser des idées de mouvement : demande une certaine connaissance technique de la danse, soit la capacité de lire, d’écrire, de noter ou de communiquer en se servant du vocabulaire et des symboles propres à la danse
Explorer et créer
  • Explorer des compositions chorégraphiques diverses
  • Se servir de techniques de composition pour créer, répéter, peaufiner et présenter une œuvre chorégraphique devant public
  • Démontrer une conscience kinesthésique des techniques et des éléments de la danse dans divers genres et styles
  • Développer son savoir-faire en art de la composition afin de créer une ambiance ou d’exprimer un sens ou une intention
  • Explorer l’interaction entre les mouvements, les sons, les images et les formes en réaction à divers stimuli
  • Générer des idées au moyen de l’improvisation et de l’exploration de mouvements
  • Créer des enchaînements de mouvements originaux par l’expérimentation en puisant dans le vocabulaire et les éléments, principes, techniques et symboles de la danse
  • Créer et exécuter des motifs de mouvements, des enchaînements et des compositions chorégraphiques en grand groupe, en petit groupe ou en solo
  • Se servir de formes et structures chorégraphiques ainsi que d’éléments de production pour exprimer l’intention dans les compositions chorégraphiques
  • Prendre en considération le public et le lieu de spectacle pendant les étapes de composition, de répétition et de représentation
Raisonner et réfléchir
  • Décrire et analyser des œuvres chorégraphiques en se servant du vocabulaire propre à cette discipline
  • Réfléchir sur ses expériences de répétitions et de spectacles
  • Formuler, accepter et mettre en pratique des commentaires constructifs
Communiquer et documenter
  • Décrire et documenter les processus de répétition, les expériences en danse, les chorégraphies et les spectacles en se servant de vocabulaire technique
  • Communiquer et interpréter des idées et des émotions par la danse
  • Se servir de la danse pour aborder des enjeux locaux, régionaux et nationaux et pour y réagir
  • Exprimer ses expériences personnelles, son identité culturelle et ses perspectives par la danse
  • Prévoir l’effet sur le public et sur les autres de décisions en matière d’esthétique
Faire des liens et développer
  • Se servir des éléments, des principes, des techniques et du langage de la danse et en affiner l’application
  • Explorer les perspectives et les connaissances des peuples autochtones, les autres méthodes d’acquisition du savoir et les connaissances sur la culture locale pour améliorer la compréhension à l’aide du mouvement et de la danse
  • Créer des œuvres chorégraphiques novatrices et manifester ainsi sa compréhension de divers contextes
  • Prendre en considération la sécurité personnelle, la prévention des blessures et la santé physique durant les étapes de planification, de répétition et de représentation d’une chorégraphie
Curricular Competencies Elaborations FR: 
  • conscience kinesthésique : capacité du corps de coordonner le mouvement et d’avoir conscience de sa position dans l’espace et dans le temps
  • art de la composition : savoir-faire qui oriente un chorégraphe dans la création d’une danse (p. ex. choisir les mouvements et les motifs, enchaîner des éléments, présenter un thème, intégrer des éléments de la danse et des principes de l’esthétique)
  • stimuli : facteur déclencheur de la création du mouvement; les stimuli, dans le contexte de la composition chorégraphique, peuvent être auditifs, visuels, conceptuels ou thématiques, tactiles ou kinesthésiques
  • éléments de production : par exemple la musique, les costumes, les accessoires, l’éclairage et la scénographie
  • décisions en matière d’esthétique : peuvent porter sur les mouvements, la musique, le thème ou les costumes
  • méthodes d’acquisition du savoir : méthodes propres aux Premières Nations, aux Métis et aux Inuits, qui varient selon le sexe, sont spécifiques au sujet ou à la discipline et sont culturelles, intégrées et intuitives
  • divers contextes : contexte personnel, social, culturel, environnemental ou historique
  • Éléments de la danse
  • Compétences propres à une technique, ou à un genre ou style
  • Conscience kinesthésique et spatiale
  • Formes et structures chorégraphiques
  • Procédés chorégraphiques
  • Principes de l’esthétique
  • Notation de la danse
  • Rôle des danseurs, des chorégraphes et du public
  • Interprètes, mouvements et genres locaux, nationaux et interculturels
  • Influence de l’époque et du lieu sur l’émergence de formes historiques et contemporaines en danse
  • Danseurs et chorégraphes novateurs issus de diverses cultures et œuvrant dans divers genres
  • Visions du monde traditionnelles et contemporaines des peuples autochtones et perspectives interculturelles véhiculées par le mouvement et la danse
  • Histoire de divers genres en danse
  • Considérations éthiques concernant l’appropriation culturelle et le plagiat
  • Protocoles de sécurité
content elaborations fr: 
  • Éléments de la danse : corps, espace, temps, dynamique, relations
    • corps : principal moyen d’expression en danse; ce que fait le corps (p. ex. mouvement d’une partie du corps ou de tout le corps; types de mouvement, comme les actions locomotrices et non locomotrices)
    • espace : celui dans lequel se déplace le corps (p. ex. lieu, niveau, direction, trajectoire, dimensions et portée, forme)
    • temps : manière dont se déplace le corps en fonction du temps (p. ex. temps de la musique ou pulsation, tempo, motifs rythmiques)
    • dynamique : manière dont l’énergie est dépensée et canalisée dans le corps en fonction du temps (rapide ou soutenu), du poids (fort ou léger), de l’espace (direct ou indirect) et du flot (libre ou retenu)
    • relations : avec qui ou quoi se déplace le corps; le mouvement peut impliquer diverses relations (entre deux personnes, au sein d’un groupe, avec des objets, avec des environnements)
  • technique :
    • exemples en danse moderne : suspension, chute, respiration, poids, étirement en opposition, élan, contraction, spirale
    • exemples en hip-hop : « grooving », isolations, rythme, jeu de pieds, roulements du corps, style libre (« freestyle »)
    • exemples en ballet : positions des pieds et des bras, en-dehors, travail à la barre et au centre (pliés, tendus, fondus, ronds de jambe)
  • genre ou style : par exemple, classique, contemporain ou issu d’une culture en particulier
  • Formes et structures chorégraphiques : forme ou structure d’une chorégraphie; arrangement ordonné du contenu thématique (p. ex. forme AB, ABA, rondo, canon, thème et variations, appel et réponse, forme narrative)
  • Procédés chorégraphiques : méthodes employées pour transformer ou développer le mouvement (p. ex. exploitation des niveaux, de la dynamique, du mouvement rétrograde, de la répétition, des mouvements de parties du corps)
  • Principes de l’esthétique : unité, variété, répétition, contraste, séquence, point culminant, proportion, harmonie, équilibre, transition
  • Notation de la danse : représentation symbolique codifiée de formes et de mouvements de la danse
  • lieu : tout environnement, localité ou contexte dans lequel les gens interagissent pour apprendre, se créer une mémoire collective, réfléchir sur l’histoire, vivre la culture et établir une identité; les liens existants entre les gens et les lieux constituent la base des perspectives autochtones sur le monde
  • appropriation culturelle : utilisation de motifs, de thèmes, de voix, d’images, de connaissances, de récits, de chansons, d’œuvres dramatiques ou d’autres manifestations de nature culturelle sans autorisation, dans un contexte inapproprié ou dénaturant l’expérience vécue par les personnes appartenant à la culture d’origine
  • Protocoles de sécurité : précautions servant à prévenir les blessures chez soi et chez les autres, notamment en ce qui concerne l’environnement, l’ergonomie, les vêtements et les chaussures
PDF Only: 
Curriculum Status: 
Has French Translation: